Ayer fue un día importante. Conseguí por fin animar a nuestros personajes para que abandonasen el miedo que los atenazaba y entrasen en el coche. Finalmente les pude hacer ver que solamente avanzando podrían vivir situaciones que, esperemos, os resulten emocionantes y divertidas. Y entraron en el juego. Hicieron un gran trabajo, ciertamente. Estoy muy contento con ellos. Y me alegro doblemente de su decisión porque las molestias gástricas habían aparecido ya a principios de semana, y eso solamente podía significar una cosa: algo no marchaba como debería. Detrás de la última secuencia, esa que temo escribir, se oculta el cierre de una historia que desde el primer momento se me mostró personal y vitalista (sincera). A lo mejor en todo este optimismo que rodea al guión, algo tiene que ver mi hija. Todavía no hemos empezado a rodar y ya he soñado unas cuantas docenas de veces la historia. Y eso es bueno. Porque sé perfectamente el aspecto que tendrá si hacemos una buena pre-producción. Ahora solamente falta esa secuencia y tener suerte con el reparto. El resto... El resto no estará solamente en nuestras manos, si no en las vuestras. Aún queda un poco, ya se verá lo que pasa.
La vida es laberíntica (que razón tiene Lynch). Si esta semana comparto con vosotros un vídeo perpetrado en el 2004, viene provocado por el hecho de que, en el CGAI, hubiesen impartido, una semana antes, un nutritivo seminario sobre la obra del gran Andrei Tarkovski. Intrincado... pero cierto.
La cuestión es que al salir del seminario me acerqué hasta la casa del Polaco y, una vez allí, pude disfrutar de algunos de los asuntos audiovisuales en los que anda metido. El modo de producción de sus últimos cortometrajes ha ido evolucionando hacia la simplicidad: el punto de vista único; la figura del demiurgo que guioniza, opera y monta; del niño que juega solo. Y tengo que decir que vi algunas cosas interesantes (me quedo, por ejemplo, con el tratamiento de las texturas en sus imágenes). Hipnótico.
Ya de vuelta a casa, recordé que yo mismo había realizado un aberrante vídeo (allá por el 2004) con el mismo punto de partida y, si cabe, con un resultado bastante más dudoso.
Rebusqué en mis copias de seguridad y encontré, en un CD rayado, el vídeo que ahora vais a padecer. El rescate no fue sencillo y de hecho, durante el proceso de recuperación, la obra quedó cercenada en casi un minuto. Pero todo el mundo tranquilo, que la historia del cine no se sentirá dolida por esa insignificante pérdida. Si cabe sentirá alivio... y pena por no haber podido acabar con el resto.
Sin más miramientos os dejo con esta prescindible pieza mutilada:
Supongo que deberíamos justificar este cambio de imagen en nuestro blog. Cuando, hace ahora un mes, me propuse resucitar el blog tenía en mente dos mejoras. Una sin demasiada importancia: de tipo estético; y otra que me llevaba rondando algo más de tiempo: la idiomática. Pues ya está hecho.
Lo cierto es que disponer de un blog bilingüe me permite, por un lado, escribir tal y como se me presentan las palabras, sin tener que hacer incómodas adaptaciones "by the way" y, al mismo tiempo, ser entendido por todos aquellos que, de una forma bien casual, bien intencionada (haberlos hailos -el caso es dar con ellos-) acaban en este rinconcito nuestro.
Dicho lo dicho, nos queda todavía una cuestión por resolver: ¿Para cuándo la posibilidad de elegir el idioma gallego en el Blogger? Señor Blogger, póngase las pilas o acabaremos emigrando (que por lo visto es lo nuestro).
El cortometraje sigue adelante. Esta madrugada hemos parido el primer borrador de las secuencias en la casa del chico. A estas alturas tenemos ya la mitad del guión y a los protagonistas a puntito de salir de casa para agarrar el coche. Esperemos que la falta de combustible y los piquetes* no impidan a nuestro hombre conseguir sus fines (sean cuales estos sean).
A media tarde lo releeré y se verá si ha valido la pena una noche de insomnio. En cualquier caso a ver si el ritmillo no se pierde y antes de que acabe la semana, damos por buena la primera versión "definitiva" del guión.
Y es que se pueden tener ideas (incluso algunas buenas y todo) pero, sin letras no hay paraíso. Maldito bloqueo.
------------- *Ayer salí a comprar y en el supermercado la mitad de las estanterías estaban vacías. En las gasolineras los coches hacen cola para que sus depósitos beban hasta vomitar. ¿Soy el único que piensa que esta psicosis del carburante no está para nada justificada? Es que esto se ha convertido en Deep Impact, pero sin impacto de meteorito ni efectos especiales ni nada de nada. Por lo menos los efectos especiales harían más digerible tanto esperpento.
El Sur es posiblemente la más bella obra inacabada de la historia del cine y el cercenado artístico más injustificado que el séptimo arte ha presenciado. La poesía está en sus imágenes y la hiel en la cantidad de preguntas que deja sin resolver debido a su carácter incompleto.
Hace unos años, Erice nos regaló la (cruel) posibilidad de conocer lo que hubiese sido el final de esta (aunque inconclusa) obra maestra:
En estos videos hay incómodas desincronías entre audio y vídeo pero creo que merece la pena escuchar a Víctor Erice.
Repasando las estanterías llenas de libros, encontramos en una vieja antología de Alvaro Cunqueiro el poema que puede servir como próxima Banda Sonora tal y como comentó hace unos días Macou.
Para el que después de oír la emotiva versión de Amancio Prada quiera conocer la letra...
Por oír a unha rula decir de amor, amiga, namorado vou!
Por mirar as cerdeiras como botan fror,
amiga, namorado vou!
Por verte e non te vere no verde prado,
amiga, namorado vou!
Porque non me non queres por teu namorado!
amiga, namorado vou!
- No vento pórei este meu lume novo
porque ardan as rulas, as cerdeiras e todo!
Amiga, namorado vou!
Pertenece al libro "Cantiga Nova Que Se Chama Riveira" de 1933. He de reconocer que no conocía la poesía de Cunqueiro y que el descubrirla a través de este poema ha resultado emocionante.
Os dejo con unos versos del mismo libro y que me recuerdan a las viejas cantigas de amor de los trovadores.
Agobio, agobio. Ahora mismo entiendo perfectamente a Barton Fink (Joel Coen, 1991). Claro que por lo menos él había escrito y dirigido una exitosa obra en Broadway. Pero ahí está. El bloqueo. Bloqueo. Bloqueo.
Barton Fink soñaba con una mujer frente al mar, en la playa. Yo he soñado hoy por tercera vez con un pirata que entra en un barco que no es el suyo. Al pasar por cubierta una red se le cae encima, le aplasta. El olor fétido de los peces en descomposición que hay atrapados en ella le provocan náuseas. Entonces alguien levanta un extremo de la malla y aparece una mano. Es mi mano. Pero como yo soy el pirata también, al quedar libre me obligo a engullir uno de esos pútridos pescados.
Sueño además que tengo un fabuloso final para mi historia. Algo extraordinario! La exaltación me invade: El pirata devorador de cadáveres marinos se aleja en el barco rumbo al horizonte. Estoy feliz. Satisfecho. Entonces me despierto.
No soy un pirata atrapado en una red, pero sigo sin tener un final que no sea tristemente típico como el del sueño.
Conocí a Marcos Ninebastante después de conocer algunos de sus trabajos. Y la verdad es que predispone a la cordialidad el hecho de acercarse a alguien que ha conseguido realizar, con su obra, la Reanimación Cardio-Pulmonar (RCP) Básica al documental gallego.
Y no me decepcionó (nada más lejos). Encontré a una persona afable, directa y habladora. Esa noche nos dieron las tantas y casi unas hostias por haber nacido próximos a Vigo. Y fue precisamente esta disparatada situación la que generó en mí una reflexión: quizás Nine atrae las buenas historias. El mundo transforma su cotidianeidad en algo realmente único al pasar ante sus ojos. Tiene que ser eso.
Lejos de la hermética concepción clásica de documental y con una narración más próxima a lo emocional que a lo puramente informativo, Nine acerca al espectador fragmentos de vidas, lapsos de tiempo. Es un gustazo disfrutar de buenos ejercicios de montaje e independencia como "Jedn. Pensando en soledad" o "Historia dunha parroquia". Y lo mejor no es la cantidad de premios que cosechan sus tabajos, lo mejor es que este cineasta todavía se está forjando. Mete miedo.
Si quereis saber cómo afronta sus proyectos, no dejeis de visitar su bitácora "Soidade^3". Aquí os dejo el trailer de su último y prometedor proyecto:
Lo cierto es que no tengo ni idea de cuanto durará esta nueva obra. Pero aquí estamos (que no es poco).
Parece que, una vez más, nos embarcaremos en una aventura corta. Y todas las dudas están ahí, todos los miedos. Hasta ahora siempre me las he arreglado para buscar un culpable para los desastres en los que se acaban convirtiendo cada uno de los cortometrajes que emprendo (que emprendemos).
Pero la verdad es que el último, Cafés de Papel, ha funcionado muy por encima de lo esperado teniendo en cuenta que era un proyecto muy muy limitado (muy humilde se puede decir). Y este inusitado resultado nos ha brindado la oportunidad de rodar, antes del fin del verano, otro corto (esta vez con más recursos).
Estoy aterrado, porque la historia yo creo que está bastante bien (es divertida y tiene un punto optimista que yo creo que gustará) y eso significa que esta vez si algo sale mal será por mi culpa y no podré esconder mis incapacidades detrás de la falta de medios o vete tú a saber qué.
Estoy gestando este nuevo hijo con esperanza, pero tengo al mismo tiempo la impresión de que esta vez me estoy dejando llevar. Puede que sea porque, por primera vez, la pre-producción no la estoy haciendo sólo. Así que valga esta primera entrada posterior a la reforma del blog para reconocer el trabajo que, desde ya, están haciendo por el nuevo proyecto: Abi, Roberto y María (Gracias por vuestra paciencia: ¡¡¡Os quiero!!!).
Por cierto, os dejo un enalce (a modo de primicia) con la posible Banda Sonora... A ver qué os parece.
Este artículo pretende ser una mano amiga dentro del laberinto de imágenes y sensaciones creado por Lynch...
He tenido la ocasión (la suerte) de asistir en A Coruña a un seminario organizado por el CGAI bajo el título: "INLAND EMPIRE. Propostas desde o labirinto".
Participaron conferenciantes de la talla de Fran Benavente, Angel Quintana (Redactores de Cahiers du Cinéma España), Andrés Hispano, Inma Merino y el mismo Hervé Aubron (Redactor de Cahiers du Cinéma y autor del libro sobre Mulholland Drive).
Todavía recuerdo cuando salí de la sala después de haber asistido a INLAND EMPIRE. María, que en el último momento había decidido no acompañarme (ella había ido a ver Banderas de nuestros padres), me esperaba fuera y, al ver mi cara, dijo: “¿Te encuentras bien? ¿Necesitas una manzanilla?”. Mal sabía yo entonces que lo que necesitaba era este seminario y no una infusión.
Las sucesivas intervenciones de cada uno de los conferenciantes fueron arrojando luz sobre el mundo en el que se mueve Lynch y sus motivaciones a la hora de afrontar un proyecto. Y la primera conclusión que saqué es precisamente esta: se puede concretar el marco en el que Lynch mueve sus piezas pero quizás es un tanto desacertado intentar dar una explicación única a sus películas ya que Lynch parte de la premisa de que “Algo es un misterio en tanto en cuanto hay piezas que no encajan. Si todo encaja no hay misterio.”
Aún así no se puede decir que lo que hace “no tenga sentido” pues en ningún momento uno tiene la sensación de que “Lynch está perdido” en su narración. Somos nosotros los que nos dejamos perder en ese mundo de pasillos y puertas que Lynch crea en sus historias.
INLAND EMPIRE cierra la trilogía abierta con Carretera Perdida y Mulholland Drive. Pero es algo más. Además de la evidente reflexión acerca de la industria del cine en EEUU, la última película de Lynch se convierte en una retrospectiva de su propio cine. En ella encontramos localizaciones y puestas en escena que nos recuerdan a algunas de sus trabajos anteriores (incluída la serie Twin Peaks).
A lo largo de la trilogía Lynch nos habla insistentemente de lo próximas que están al proceso fílmico las mafias y la prostitución. Y quizás nos hable también de su propia prostitución como cineasta (como artista) y de sus miedos. Poco a poco, casi sin darse cuenta, Lynch se ha ido encerrando en sí mismo, hasta llegar a INLAND EMPIRE, donde toda la narración suena a llamada de auxilio.
No olvidemos que David Lynch proviene del mundo de la pintura, y la forma libre de trabajar en su estudio difiere mucho del modo hermético de producción de películas. Quizás por eso se justifica que Lynch haya elogiado tan enérgicamente el formato digital, hasta el punto de afirmar que “no volveré a trabajar en cine”.
Escuché algo en el seminario que me inquietó en un primer momento. Andrés Hispano, después de hablarnos de la relación existente entre la propia estructura horizontal de la ciudad de Los Ángeles (en la que está ubicada la trilogía) y las historias que en torno a ella se generan, dijo esto: “Después de ver a Laura Dern vomitando sangre sobre una estrella del paseo, ¿qué más puede hacer Lynch?” Me tranquilizó el hecho de recordar que lo mismo pensé yo al salir del cine, después de haber visto Mulholland Drive.
Pero así son los genios. Años después y con una apuesta arriesgada y efectiva, Lynch ha regalado a nuestros ojos otro poema visual: INLAND EMPIRE. Os la recomiendo muy mucho y os advierto que no hay en ella nada eventual (ni los desenfoques, ni los movimientos “sucios” de cámara,... nada).
Es posiblemente su mejor película y quien sabe si será la película que necesitaba hacer para despojarse de una vez por todas de sus miedos, compartirlos con nosotros y trabajar, a partir de ahora, libremente.
Acabo de ver la nueva película de los Coen y creo que es, sobre todo, una vuelta a casa. El camino de retorno no ha sido fácil, pero ha merecido la pena. Con una narración sencilla, directa y sin artificios (no tiene banda sonora!) nos conduce hacia el final de forma natural. Solamente puedo decir que lo nuevo de los Coen nos ha devuelto (al fin) a los viejos Coen.
Y por fin, la luz. Después de varios meses de tinieblas que anunciaban el fin del cortometraje (y de paso del cortometrajista) español, finalmente el hermano pequeño del largometraje ha sido readmitido en el firmamento cinematográfico patrio.
Y ahora que la Academia ha dado un paso atrás y puesto que, por una vez, retroceder tiene connotaciones positivas, creo que es oportuno hablar de alguien como Alber Ponte.
fotograma de Pernambuco, uno de sus cortos
Con cerca de 40 cortometrajes (si es que en este momento no está rodando ya el 41) es el cortometrajista más prolífico de nuestro país y, según parece, el tercero (en lo que al Guiness se refiere) por detrás de un finlandés y un islandés. Pero yo desconocía todos estos datos cuando, en una calurosa mañana de mayo, asomó por la puerta de nuestra cabina de montaje.
Un tío enorme tipo Shrek (pero sin las orejitas en forma de cono), pelo cano, gafas de sol y una voz profunda siguieron al gruñir de las bisagras al abrirse. La sala se quedó en silencio. Y por un momento lo observamos en toda su inmensidad. Entonces, Alber habló. Y aunque no es literal lo que voy a describir, la situación fue algo parecido a lo que sigue:
<<< - Mmm... Hola - Nuevo silencio. - Quizás esperabais algo más profundo - dijo sonriendo (eso sí lo recuerdo perfectamente). Cerró la puerta para volver a abrirla, un segundo más tarde y, con cierta sobreactuación, citar a algún filósofo (o sería un director de cine), o simplemente inventar algo como: - Dejemos a los envidiosos la tarea de proferir injurias y a los necios la de contestarlas (esta cita es propiedad de Luis Dupaty). >>>
Y así es Alber: directo, impredecible y (ahora puedo decirlo) amigo de sus amigos.
Desde aquel venturoso mes de mayo he tenido la suerte de caminar junto a él en varios proyectos (entre los que destaco con gran cariño el primero: “Rosita y Jacinto”) y he comprobado que dispone de una energía sobrehumana que le permite parir sin descanso historias... y lo que es más difícil, llevarlas a buen puerto.
Le envidio la capacidad de no enamorarse, de no amar un corto suyo hasta el punto de olvidar por unas semanas (por unas horas) que necesita hacer otro y otro.
Pero así es Alber, va camino de los 40 cortometrajes (ya digo que igual la cifra está desfasada a estas horas) y sigue creyendo en un formato que hasta hace unas semanas era prescindible para nuestra Academia.
Alguno se hará la pregunta que tantas veces a él mismo le han formulado: Después de tanto corto... ¿Para cuándo otro largo? Quién sabe, a lo mejor no tendremos que esperar demasiado...
Os dejo como regalo el trailer del último proyecto que compartimos:
Así debe haber sido la vida de La Reina Virgen. Una película que no se detiene, enérgica y emocionante... ¡Ah! Y Jordi Mollá tiene un increíble parecido Borbón. Vamos, que solamente le falta decir "¿Por qué no te callas?" a Elisabeth. Jajajajajaj
A tí, ¿qué te ha parecido?
La verdad es que ya me había gustado mucho la primera “Elisabeth” (firmada también por Shekhar Kapur).
En esta ocasión la historia conocida que se estudia en las escuelas sirve de telón de fondo sobre el que se teje una historia de amor verdadero, conspiraciones y honor. Porque, ¿dónde puede encontrar una reina amor si por la posición que ocupa todo el mundo le dice lo que quiere oír? La respuesta... en los cines.
Escudándose en el principio esencial de seguridad, los Estados Unidos ofrecen sus no siempre desinteresados servicios al resto del mundo.
Nos regalan diariamente seguridad a costa de la cuestionable eficacia de sus ataques militares y convierten la paz en falacia, con el desorbitado volumen de dinero que anualmente destinan a la construcción e invención de nuevas formas de muerte y tortura. Todo esto obviando, lógicamente, las cantidades que se embolsan con la venta de armamento obsoleto a países de los que después asegurarán, deben protegernos.
Una lucha sin cuartel que el máximo representante estadounidense no se priva de calificar como “una búsqueda de la paz mundial”. Todo un gesto de generosidad y honestidad para con el resto desfavorecido del planeta.
La cuestión está clara, antes de agotar la lista enemigos a inventar, ¿mantendrán la dignidad y honestidad de la que ahora se jactan y nos protegerán del verdadero peligro, su propia ambición?
El deseo insatisfecho de encontrar trabajo por parte de una desafortunada mayoría, genera en los jóvenes un desaliento que sólo es comparable a la impotencia, consecuencia de la explotación laboral a la que es sometida el resto de la minoría afortunada.
Cinéfilos, siempre a su servicio. En respuesta a la petición hecha por olgabarbie en la pizarrita, nos complace presentarles nuestra particular selección de películas... Si falta alguna no duden en hacérnoslo saber!
Debo aclarar, antes de comenzar, que todos los comentarios vertidos en este artículo son personales y por lo tanto Cinefilos no se hace responsable de que a mí me guste más “Sed de Mal” que “Ciudadano Kane” (por poner un ejemplo)... Ah! Y no he seguido ningún orden cronológico (salta a la vista).
Con faldas y a lo loco (de Billy Wilder, 1959) - Mucho me temo que no será la única película de Wilder en este listado de joyas que deberías ver. Y es que nadie como él para sacar oro de situaciones absurdas y desternillantes.
La Costilla de Adán (de George Cukor, 1949) - Me parecía injusto no incluirla en el listado por un sólo año. Una gran película con una reflexión sobre la dominancia de sexos que todavía hoy huele a fresco. Y con una de mis parejas favoritas de la gran pantalla y una de las parejas con más morbo (en la vida real): Katherine Hepburn y Spencer Tracy.
La Reina de África (de John Huston, 1951) - Vaya, he puesto otra de Katherine Hepburn... Pues ha sido casualidad eh? :PPP Genial, divertida y con una evolución de personajes que derrite al guionista más pintado. Comedia. Romántica. Incisiva. Ñam!
¡Bienvenido, Mister Marshall! (de Luis García Berlanga, 1952) - Una comedia con poco romanticismo pero con humor para parar un tren (a toda una comitiva americana -incluso-). Cine patrio del imprescindible (a mi parecer).
Cantando bajo la lluvia (de Stanley Donen y Gene Kelly, 1951) De lo mejorcito del género musical. Divertidísima y con una parte de reflexión sobre el mundo del cine que personalmente me gusta mucho. Si te hace esta película, puede que te haga también “Un día en New York” (misma dirección, 1949).
Venga, más musical, que estamos lanzados: Melodías de Broadway (de Vincente Minnelli, 1953). En la línea de “Cantando bajo la lluvia” (aunque he de reconocer que a mí -personalmente- me gusta más la de Donen/Kelly). Muy divertida, en cualquier caso.
Las vacaciones de Monsieur Hulot (de Jacques Tati, 1953) Si te ríes con Faemino y Cansado y grabas Humor Amarillo cuando no lo vas a poder ver... Esta película es para ti. Una rareza, cierto. Pero con una bella forma de recocer los gags. Una comedia especial. El romanticismo lo pones tú.
El Crepúsculo de los Dioses (de otro dios: Billy Wilder, 1950) No es una comedia romántica. Es un clásico imprescindible. Y hasta aquí puedo leer. Si eres capaz de ver los títulos de crédito y no quedarte hasta el final... te pago una cena.
El apartamento (de Billy Wilder, 1960) - Para mí, la mejor película de Billy Wilder (junto con El Crepúsculo de los Dioses) Es una comedia ácida y con un extraño sentido del romanticismo. Me quedo con los sopapos que le pegan a la protagonista. No son moco de pavo.
Eva al desnudo (de Joseph L. Mankiewicz, 1950) - Una película increíble. Pero increíble de verdad. Si crees que “El sexto sentido” tiene un buen final... siéntate y prepárate para lo que vas a ver. Esta película es sobre todo para los que le gustan los giros de guión que no entran con calzador. No es una comedia, no es romántica, pero es despiadada y retrata el mundo del espectáculo de una forma que pone los pelos de punta. Ah, y es de Mankiewicz. Todavía no la quieres ver?
Fresas Salvajes (de Ingmar Bergman, 1957) - Bendito sea el día en el que Bergman decidió abandonar el armario en el que le encerraba su padre para lanzarse de cabeza al teatro... Uno de mis directores de culto con una de sus películas más bellas y románticamente melancólicas. Una delicia con la que empezar su filmografía (demoledora). No es comedia (¿Hace falta decirlo siendo de Bergman jejeje?).
Senderos de Gloria (de Stanley Kubrick, 1957) - Has pedido clásicos y si no meto una de Kubrick hoy no duermo. Una película antibélica con un Kirk Duglas inmenso (a ver si aprende el hijo) y una puesta en escena que mete miedo (exteriores claustrofóbicos y grandes espacios cerrados -cágate lorito-). IN-MEN-SA. Una joya imprescindible.
Sed de Mal (de Orson Welles, 1958) - Después de todo Orson Welles no debe ser tan malo como dicen si ha conseguido filmar “Sed de mal”. Y tras estos breves momentos de sarcasmo, solamente queda decir: dale a “play” y disfruta de un thriller de lujo... y su mejor película a mi parecer. Ah! y con Charlton Heston y Janet Leigh. Nada, ahora no la veas... (perdón habíamos dejado el sarcasmo ya, ¿no?)
Y por ahora estas bastan... pero nos quedarían otras que darían para una segunda parte de este artículo.
Para que veas que no miento me he dejado en el tintero joyas como “La ley del silencio” (del delator -y no obstante gran director- Elia Kazan, 1954), “Los Siete samurais” (de Akira Kurosawa, 1954), Vértigo (de Alfred Hitchcock, 1958), “Los cuatrocientos golpes” (de François Truffaut) (1959), “Orfeo Negro” (de Marcel Camus, 1959) o “Muerte de un ciclista” (de Juan Antonio Bardem, 1955)...
Aunque vale, lo reconozco, no hay muchas comedias románticas en este último listado. Pero son clásicos que no te puedes perder. He dicho. Espero que te haya sido de utilidad y que si es así dejes algún comentario :P (sobre todo si ves alguna de este listado que no habías visto y te gusta)
Tomemos como punto de partida el hecho de que todas las historias han sido contadas ya en el cine. Aún en ese hipotético caso, de un tiempo a esta parte la multimillonaria industria de Hollywood está echando mano, cada vez con más frecuencia y menos pudor, de filmes ya realizados en su momento de forma más que meritoria.
¿Se les han acabado las buenas ideas? ¿Es necesario tanto remake? ¿Te ha gustado algún remake más que el propio original?
Los grandes estudios siempre han copiado con más o menos descaro aquellas historias (propias o ajenas) que funcionaban en el mercado. Ya lo decía Billy Wilder: "(...) por lo que respecta a los argumentos, creo que ya todo está inventado. Ahora se hacen remakes."
Pero, todo sea dicho, la historia del remake nos ha dejado obras bien curiosas. Y llegado este punto me gustaría hablar del Psycho de Gus Van Sant, que fusila plano a plano la famosa película de Alfred Hitchcock (uno de los directores más recurridos por Hollywood a la hora de hacer remakes de sus obras).
El trabajo de Gus Van Sant me recordó un poco a aquel relato de Jorge Luis Borjes en el que Pierre Menard intenta redescubrir El Quijote para llegar a la conclusión de que es una obra que no puede ser escrita de otra forma. Que es perfecta, incluso con sus imperfecciones. Al verlo me enfadó un poco el descaro con el que abordaba los planos de Hitchcock, pero reconozco que también pense: ¡Gus Van Sant, eres tan reflexivo como osado!
En la actualidad Hollywood prepara sendos remakes con Nicole Kidman (Al final del espectro) o Tom Hanks (Fahrenheit 451). Veremos que destrozos hacen.
30 de Julio de 2007. Hoy, a las puertas de los noventa años, Ingmar Bergman ha decidido recorrer por última vez su amada isla de Fårö. Pero sobre la arena no han quedado sus huellas; ni sus pies han llegado húmedos y llenos de salitre; ni siquiera, en un día tan caluroso, se ha detenido para reponer fuerzas o beber en la fuente; el eco de sus pasos era sordo y su respiración el propio viento. Hay quien dice haberlo visto volando. Alto. Muy alto.
Gracias Bergman por habernos llevado de la mano todos estos años a través de tus luces y sombras y por haber guiado nuestra mirada hacia aquello que solamente tú sabías ver.
Gretel ha abierto la Caja de Pandora y de ella han salido unas cuantas películas de nuestra infancia. ¿Recuerdas tú alguna otra?
Maldita sea la hora en que encendimos el televisor para ver el nuevo anuncio de la innombrable bebida carbonatada con sabor a cola. Y es que no hay nada más bajo que hacerle reconocer a uno los años que tiene. Quién viviese como Sara Montiel o Marujita Díaz, ajeno a este desagradable tema hasta el fin de sus días!
Una vez dicho esto, dejemos que sean la nostalgia y el cine infantil los que protagonicen este artículo. Y es que los ochenta fueron una fantástica década para los que entonces éramos niños (hoy –como decía- fieles seguidores del dogma de Peter Pan).
La Princesa Prometida (1987), además de ser una de mis películas de infancia preferidas, ha soportado con gran dignidad el siempre duro azote del paso del tiempo. Tenemos que reconocerlo: siempre ha funcionado muy bien lo de chico busca a chica, a chica le gusta chico y perdices de postre.
Pero los ochenta nos dejaron algunas otras joyas, como La Historia Interminable (1984), de la que recomiendo además el libro; Dentro del Laberinto (1986), que seguía los pasos marcados por la serie televisiva Fraggle Rock y combinaba con gran eficacia personajes reales y muñegotes animados manual y mecánicamente (olvídense del 3D por un momento); Cristal Oscuro (1982), una historia fantástica en todos los sentidos y la primera película que me hizo pasar miedo y reír al mismo tiempo (desde entonces adoro a la bruja Aughra y su creador Frank Oz –el gran Maestro Yoda de Star Wars-); Los Goonies (1985), ¿quién no buscó en su desván una puerta secreta con un mapa del tesoro (y si no la encontró... la inventó!)?; El vuelo del navegante (1986), que aprovechaba el camino abierto por E.T. (1982) y tenía una factura más refinada que Mi amigo MAC (1988) a pesar de ser esta última posterior;... y otras tantas.
Veinte años más tarde, sigo disfrutando de esas historias y comprobando que mis sobrinas disfrutan de ellas tanto como yo.
Gracias Gretel por invitarnos a ver hacia atrás. Y si a alguien se le ocurre alguna otra película que haya marcado su infancia... Nos lo cuente! Tengo ganas de re-descubrir alguna rareza oculta en algún lugar inaccesible de mi memoria.
